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La Cité internationale des arts

La Cité internationale des arts

photos par la Cité internationale

Fondée en 1957, la Cité internationale des arts est une fondation d’utilité publique qui a pour vocation d’accueillir à Paris, en résidence longue ou de durée limitée, des artistes professionnels désireux de créer en France. Le ministère de la Culture collabore depuis 2006 avec la Cité internationale des arts et y loue de façon permanente trois ateliers. Il sélectionne chaque année par une procédure publique 6 artistes qui se voient offrir un séjour en résidence. Les domaines artistiques concernés sont : « les arts visuels », « la conception et l’organisation d’expositions », « les arts de la scène » ainsi que « les arts vidéo & cinéma et la musique pop ». Deux périodes de résidence d’une durée de 5 mois et demi sont réparties sur le premier et le deuxième semestre de chaque année.

Les artistes sélectionnés pour résidence se voient offrir la possibilité de se consacrer pleinement à la création et aux techniques artistiques durant leur séjour à la Cité, mais aussi de procéder à des échanges d’expérience avec des artistes de différents pays et de différentes disciplines et d’élargir ainsi leur horizon international en ouvrant des perspectives de création d’un réseau international continu et d’organisation de festivals internationaux.


Chen Ching-Yuan

Born in Tainan, Taiwan, 1984 Currently lives and works in Taipei, Taiwan Chen Ching-Yuan received his M.F.A. in 2013 from the School of Fine Arts of the Taipei National University of the Arts.

Drawings and animations serve as the primary media for my work. Perhaps it’s due to the influence of Western and Eastern cultures that have directly or indirectly colonized Taiwan at some time, along with the resulting political conflict, conditions, and historical perspectives of different ethnic groups that make me feel a sense of brokenness and impotence that is consistently replicated.

Such a cultural context forces us to find our own special ways to establish our own worldviews and iden- tities, creating a special attachment to the idea of forever, which can in reality never be reached, much like the futility of Sisyphus; quest for eternal life. Yet, this tendency to pursue the futile also serves as a reflection of the reality of our existence. Based on such a background, I have created several drawings and images that resemble fables which meander back and forth between daily and macro perspectives. In this way, reflecting on the conditions and emotional connections of the environment we live in, one step further is taken to explore topics such as identity, existence, and relationships between people.

In recent years, my works focus on painting and animation installations, I attempts to capture through his painting the subtle sensibility that weaves through literature, mythology, and history in different cultural contexts. The artist's unique compositions coalesce into a constellation of images where the absence of the temporal element and the fragmentation of meaning elicit unexpected narrative parallels between the artist's imaginary worlds and the essence of humanity.

Metteur-en-scène d'acrobatie/directrice

Graduated from Taipei National University of the Arts with a major in acting, I am a professional actress and director specializing in clown, comedy and pantomime. 2009-2011 I received a grant from the National Culture and Arts Foundation to study in Ecole Philippe Gaulier in Paris, France.

I have been a member or co-founder of several troupes including Théâtre du Momento (with Mr. Candle Huang Ming-cheng), Théâtre de la Sardine, and Yubon. Recently, I am the director of Circus P.S..

My recent attention and creation are focusing on the nouveau cirque. I found in 2015 the Circus P.S. for exploring, experimenting the acting and the mise-en-scène in the Taiwanese way. The Circus P.S. has been touring in numerous theaters and campus, performing on the streets, invited by Weiwuying Children’s Fes- tival, by Taipei Fine Arts Museum for the site-specific performance, and by Goethe-Institut Taipei for the German national day.

With the Circus P.S., I try to give a unique and experimental vein to the nouveau cirque in combining the new media and traditional acrobatic objects, giving it a whole new visual aspect and body delivery.

WU Tzu-An

Tzu-An Wu makes experimental films. For him, so-called "experimental" is not a genre, but a changeable, nomadic status crossing the machineries inside out. He likes to manipulate heterogeneous images, sounds, and texts, to question the construction of the narrative and the selfhood. In recent years he works mainly with Super 8 and 16mm film techniques, while he is also interested in the intersection of both analog and digital techniques of visual reproduction.

He holds a BA in Gender and Cultural Studies from National Tsing Hua University, Taiwan, and an MA in Media Studies from The New School, New York. His works have been shown internationally, including BFI Flare (London), International Film Festival Rotterdam (Netherland), CROSSROADS (San Francisco), Xposed International Queer Film Festival(Berlin), Golden Harvest Film Festival (Taiwan), MixNYC (New York), He was awarded the jury prize at Festival of Different and Experimental Cinema (Paris). He is also a member of the cinema collective <The Other Cinema> and the co-founder of countercultural zine group <後母Post-Motherism>

HUANG Pang-Chuan

Born in 1988 in Taiwan graduated from graphic design, then immersed in the cinema in France, HUANG Pang-Chuan is inspired by his diverse practical experiences, to create an ambiguity between documentary and fiction. All his work contains three elements: memory, voyage and traditional film technology. His first film "Return" has been presented at major film events in Europe and Asia. This film has already won The Grand Prix in Clermont-Ferrand. His second film “ Last Year When the Train Passed by” has been select in Locarno Festival 2018, Pardi di Domani, international competition section.

Yuhan Su
Jazz vibraphoniste/compositrice

Recent recipient for the Jazz Magazine 2018 DownBeat Critics Poll in the category “Rising Star” of Vibraphone, Taiwanese vibraphonist Yuhan Su is an award-winning jazz performer and composer. She graduated from Taipei National University of Arts in Percussion Performance and Berklee College of Music in Jazz Vibraphone performance. Since Su's debut record release Flying Alone(2012), her music has been released to widespread approval. In the April edition of DownBeat, Brad Farberman wrote of Su's "intelligence, sensitivity and a haunting sense of tenderness." Flying Alone has received numerous music awards and nominations, including ‘Best Jazz Album of the Year’, ‘Best New Artist’, ’ Best Jazz Single’ from the 2013 Golden Indie Music Award and ‘Best Performance Album of the year’, ’Best Composer Award’ from 2013 Golden Melody Award in Taiwan, and “Best Release of 2013” by All about Jazz.

In 2015, Yuhan released her second album A Room of One’s Own featuring her jazz quintet. DownBeat described it as “Like the best fiction, it’s entirely enveloping’(Brian Zimmerman). The album has also won numerous international music awards including ‘Best Jazz Album of the Year’ and ‘Best Instrumentalist Award’ from Golden Indie Music Award. Yuhan is currently endorsed by Alternate Mode as MalletKat artist and Resta-Jay Percussion mallets. In 2018, Yuhan releases her third record City Animals and join prestigious record label Sunnyside Records.

Shang-Lin Wu

Shang-Lin Wu (1977 born in Taipei), is an independent curator, visual artist and freelancer editor, lives and works currently in Taipei. After graduated from National Taiwan University of Arts(BFA) in 2000, National School of Fine Art, Dijon(DNSEP) in 2007. In the recent years, Wu has traveled and worked as an artist-inresidence in Korea (Gyeonggi Creative Center), Taiwan (Taipei Artist Villages) and Japan (Arcus Project), Thailand (Silpalkorn University). The main message he would like to deliver through his work accomplished during this period, is to discuss various problems caused by the constant expansion of modern cities. By exchanging personal prospective with his interlocutors, he presents different aspects of the method each individual chooses to deal with the current situation.

Recent exhibitions include「Wandering Seeds:moving and migration – stories from a place to other」 National prehistory museum Taiwan, Taipei botanical garden, Kaohsiung museum of Fine Art, Gyeoonggi museum of modern art, 2018-2019 (curatorial project).「 Rivers – The way of living in Transition / Asia Contemporary art link」Pier-2 Art Center Kaohsiung&Gwangju Biennale gallery 1,2015-2016 (curatorial Project),「 Twilight – The Prospects of Asian Industry」, 2013 (curatorial Project). 「Inner-landscape / Damyang」,Art Center Daedam,Jollanamdo, Korean, 2014 (Solo). 「Innerlandscape」,O New Wall space Seoul , Korea 2013 (Solo),「Graduation Photos – Difference is Different」, Museum of Contemporary Art Taipei , 2012(solo). 「Taipei Photo Festival」, Zhong Zhen Art Gallery, 2018 (Group), 「Original Festival」, Songshan Cultural and Creative Park, Taipei, 2016.「False friends, An Ephemeral Video Library 」Jeu de Paume National Gallery (Concorde), Paris, France 2010(Group),「Rear Windows」for Museum of Contemporary Art Taipei, Taiwan 2010 (group).

HSU Chen-Wei
Originaire de Taïwan, Hsu Chen-Wei est diplômé de l’Université nationale des Arts de Taïpei. Il a commencé la danse à l’âge de 15 ans. Il est actuellement à la fois le chorégraphe de la Hsu Chen Wei Dance Company et performeur de danse improvisée. En 2015, 2017 et 2019 il a bénéficié d’une aide à la création sous la forme d’une bourse Luo Man-Fei ; en 2018, il a collaboré au Projet Wanderer du Cloud Gate Dance Theatre ; en 2019, grâce au soutien du ministère de la Culture de Taïwan, il se rend à Paris pour un séjour en résidence à la Cité internationale des arts. Il explique : « Mes parents travaillent dans les services funéraires et, enfant, je les ai souvent accompagnés dans leur travail. Aussi, les images qui se sont gravées dans ma mémoire d’enfant jouent-elles un rôle très important dans mes créations, elles constituent aujourd’hui la matière de mes principales créations, The Sacrifice of Roaring, Purgatory et Mei-you mei you. J’aime le langage du corps qui mêle souplesse et puissance, j’aime explorer les rapports d’équilibre entre le corps et le sol, j’aime aussi la dynamique des mouvements circulaires car elle permet d’insuffler une très grande énergie dans la danse. » Site web :

LIAO Jiun-Cheng
Diplômé de l’Institut d’études supérieures d’art dramatique de l’Université nationale des arts de Taïpei où il a étudié la mise en scène, Liao Jiun-Cheng est le metteur en scène attitré du Shakespeare's Wild Sisters Group. En 2017, il a été artiste résident du National Theater and Concert Hall. En 2018, il a été lauréat de l’Asian Cultural Council. En 2019, il est artiste en résidence à la Cité internationale des arts de Paris. Depuis 1997, année de ses débuts dans le monde du théâtre, il a réalisé la mise en scène de 28 spectacles. On notera parmi les plus récents : en 2018, Shennong (National Theater à l’occasion du Festival international de théâtre) ; en 2017, Caged Time (création pour le National Theater) et Common Tragedies ( Arena, Musée municipal des Beaux-Arts de Taïpei) ; en 2016, How Long is Now (Taipei Arts Festival), Serenade, pièce de théâtre musical de Tian Fu-Zhen et Cent ans de solitude (Chigu Salt Mountain Museum de Taïnan). Der schönste Moment (2009) et Sylvia Plath (2008) ont concouru pour la finale des Taishin Awards.

Yves CHIU Chun-Ta
Né en 1983 à Kaohsiung, Yves Chiu, selon ses propres termes, s’est échappé en 2008 de la tour d’ivoire de la philosophie érigée sur le modèle européen pour glisser dans le vaste marais de l’art contemporain où il est encore plongé aujourd’hui. En 2017, il a passé son doctorat à l’Université nationale des arts de Taïnan. Bien que la pensée philosophique et artistique ainsi que les grands maîtres de l’Occident lui offrent une source inépuisable d’inspiration apocalyptique, il préfère les récits mythologiques de son pays. Il travaille actuellement comme commissaire d’exposition et critique d’art. Ses recherches principales portent sur l’art communautaire contemporain et l’esthétique de la reconstruction. Il conçoit des expositions pour l’ArchiBlur Lab, le Bamboo Curtain Studio et la Galerie Hippocampe. Il s’intéresse particulièrement à l’étude de la création basique, à la dialectique de l’indécision et à l’ontologie adjectivale. Ses plus importantes réalisations sont le « M.E.L.T.Ing Project », le « Collective Negative Space Village » et le « Madou Sugar Industry Art Triennial 2019 »
Site web : https ://

Zhuang Zi-Ying


Je pratique la photographie depuis plusieurs années et j’étais naguère la seule femme photographe dans tout Taïwan, mais aujourd’hui la question du genre ne se pose plus en photographie.

J’ai eu l’occasion de travailler avec des équipes de réalisateurs de différents pays et d’acquérir de l’expérience dans les domaines du cinéma, du théâtre, du court-métrage et du documentaire.

Au cours des dernières années, le centre de gravité de mon travail s’est déplacé de l’étude de la technique vers une réflexion sur l’image vidéo et sa nature profonde ainsi que vers une exploration de toutes les voies de création possibles. J’ai repris chaque étape en repartant de zéro pour créer des vidéos pleines de fluidité.

Pour cette résidence, je vais m’employer, par la vidéo, à exploiter toutes ce que l’espace, le temps et l’instant offriront comme possibilités de création, sans aucun a priori, mais avec un esprit ouvert et préparé.

Lü Dai-Ru


Je travaille dans le domaine de la conception d’expositions et dans l’écriture. De 2015 à 2017, j’ai exercé les fonctions de directrice du Centre d’art contemporain de Taïpei, en charge de la conception et de l’organisation d’expositions.

La pratique curatoriale fait depuis longtemps l’objet de toute mon attention, avec un intérêt particulier pour les possibilités de contact et de dialogue qu’offre cette activité qui, interface entre la société réelle et sa reconstruction artistique et intervenant dans l’arrière-cour du système de production, joue un rôle politique moteur dans la création de modes de production alternatifs. Pour mon travail de curatrice, je prends en compte l’évolution de la méthodologie et étudie la façon dont la réflexion sur le processus de production esthétique permet d’accéder à des perspectives multiples d’interconnexions et de mouvements artistiques ouverts. Il s’agit pour moi de faire écho et de réfléchir, par le biais d’un langage abstrait et inclusif, à l’instabilité environnementale de la planète et de prendre part au travail de conception de l’articulation qui pourrait être celle de l’homme du futur dans sa corporalité avec la structure de la société.

Mes récents travaux de curatrice concernent des ateliers et expositions-performances d’ordres très divers : Lemon (en cours), The Extra Extra Ordinary (MCAD, 2018), A Post Super Future Asia (ZKU, Grey Projects, TCAC, en cours), Salon Spice (TCAC, 2017), Portrait Portrait (TCAC, 2016), Never Odd or Even (TAV, 2014), This is not a Taiwan Pavilion (collateral event in the 55th Venice Biennial, 2013).

Lin Jun-Ni

En explorant l’espace cartographique du cinéma avec moi-même comme repère de coordonnées, j’ai abordé différents types de création cinématographique, scénarios, documentaires et vidéos expérimentales. Née au Japon, j’ai étudié l’architecture à l’université. Dans mon travail, je privilégie une approche transdisciplinaire, transculturelle et transcatégorielle. Mon court-métrage expérimental Yan Yan est sélectionné pour la finale du concours international du Festival du court-métrage de Clermont-Ferrand. En Malaisie, j’ai réalisé Yi Wang, un documentaire dans lequel se superposent mes propres mouvements et l’oralité d’un récit historique ; ce film a été présenté au FreedomFilmFest de Malaisie ainsi qu’au Festival international du film de Panmunjom en Corée. Mon projet en résidence va consister à utiliser les médias communautaires comme un espace de narration vidéo permettant de retrouver une extrême sobriété d’environnement et de motivation pour les prises de vue et de renouveler ma réflexion sur la relation entre narration et création personnelle avec le monde environnant.

Rina Tsou

Rina Tsou a grandi à Taïwan et aux Philippines et c’est de cette double expérience culturelle que se nourrit sa création cinématographique, comme dans son court métrage Arnie, dont le scénario met en scène des pêcheurs philippins à Taïwan et qui était en compétition en 2016 à la Semaine de la Critique du Festival de Cannes ainsi qu’aux Golden Horse Awards de Taïwan. Durant sa résidence à la Cité des Artistes, Rina Tsou voudrait non seulement mettre la main à un premier scénario de long métrage, mais aussi procéder à des échanges de vues avec les artistes de toutes disciplines en résidence afin de découvrir de nouveaux modes narratifs et de s’engager, avec un esprit de totale ouverture, dans une création collaborative et interactive.

Entretien avec Rina Tsou:

Chen Yan-Bin

Aborigène taïwanais, Chen Yan-Bin exerce ses talents de créateur dans les arts de la scène. Son travail récent de performances, de scénarios et de création couvre des domaines aussi divers que la vidéo, le théâtre et la danse, ce qui lui a valu le surnom d’« ogre de la création artistique ». Sous son visage aux airs de patriarche se cache une âme toute de simplicité et de naturel. De même, dans le langage scénique contemporain par lequel il s’exprime transparaissent toujours des éléments portés par l’esprit de la tradition. C’est sur la base d’une dialectique permanente entre contemporanéité et tradition que le contexte fondamental de ses œuvres se constitue tout en générant un questionnement extérieur. Dans son adaptabilité, le langage créatif de Chen Yan-Bin vise à mettre en lumière et rendre sensibles les tropismes et les penchants humains. En même temps, Chen Yan-Bin trouve son inspiration dans le monde naturel et prend la grande Nature pour maître.

Ses créations ont été à plusieurs reprises sélectionnées pour les Taishin Arts Awards et autres concours d’importance ; elles ont aussi été présentées dans de nombreux festivals artistiques. Ses œuvres de la série « Peuples aborigènes » tout particulièrement ont suscité un grand intérêt et fait l’objet de multiples analyses.

Entretien avec Chen Yan-Bin:

Chen Yi-En

« Si dans la vie il y a de nombreux sentiments et impressions impossibles à exprimer par des mots, alors dansons ! »

Après tout juste trois années passées comme danseur professionnel, Chen Yi-En se tourne à nouveau vers la création. Soucieux d’y mêler la vie dans toute sa subtilité et son immédiateté, il aspire à produire des œuvres en lien direct avec le moi du performeur, des œuvres dans lesquelles puissent être préservées toutes les émotions prégnantes qui marquent nos existences dans leur diversité. En associant actes de la vie quotidienne, attitudes courantes et expression corporelle, il explore un espace chorégraphique où s’actualise l’identité du moi de l’homme contemporain, non sans rester ouvert dans ce travail de création aux échanges d’idées et à diverses options porteuses d’évolutions.

Entretien avec Chen Yi-En:

Lin Shih-Chieh

Le recours à l’image par Lin Shih-Chieh traverse son œuvre, depuis le film jusqu’à la création de vidéos. Les thèmes de prédilection de l’artiste sont les interactions entre mémoire individuelle, monde onirique, paysages et histoire. Ses créations sont souvent élaborées à partir d’images documentaires préexistantes et présentant une réalité dans laquelle il explore la possibilité de faire surgir la fiction pour créer ainsi des multivers visuels.

Pour sa création en résidence, Lin Shih-Chieh s’inspire de la Description historique et géographique de l’île de Formose, célèbre imposture de 18e siècle de George Psalmanazar. Il fait appel au concours des visiteurs parisiens pour dessiner avec eux les contours d’une imaginaire île de Formose.

Entretien avec Lin Shih-Chieh:

Niu Chun-Chiang

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Dans ses œuvres, Niu Chun-Chiang excelle à traiter de « la nature intrinsèque de l’existence ». S’attachant à la notion de « relations », il en trouve la marque dans des convergences et affinités invisibles du quotidien, dans la subtilité des rapports interhumains, dans la conscience individuelle et dans la conscience collective. Il s’efforce de dépasser la dimension historique pour élaborer, par le biais de créations de styles et structures variés, un questionnement à la fois méticuleux et holistique.

Ses œuvres ont été sélectionnées pour des festivals artistiques et cinématographiques de Taïwan, des États-Unis, de France et de Hollande. Elles ont en outre été présentées à Berlin, Istanbul, Tel-Aviv, Mexico, Séoul, Pékin et Shenzhen. Sa création vidéo Bien qu’elles ne soient jamais rencontrées a obtenu à Taïwan le prix du Meilleur film expérimental lors des 35es Golden Harvest Awards.

Entretien avec Niu Chun-Chiang:

Wang Hsiang-Ling

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La plupart des œuvres de Wang Hsiang-Ling portent principalement sur l’expérience de la vie. Elles suscitent ordinairement chez le spectateur un certain sentiment de distanciation, par une étude en profondeur de l’existence humaine et des changements qui l’affectent et en s’attachant à la nature intrinsèque des choses. L’œuvre intitulée Changement qualitatif a pour sujet principal la nature sous la forme d’un assemblage de 12 photographies. Elle s’efforce de mettre de côté les relations symbiotiques complexes qui existent entre les individus pour mieux mettre en lumière le ressenti réel de l’individu confronté à la solitude, et également le fait qu’à partir de la vie réelle naît l’expérience de la nature profonde de la solitude.

Entretien avec Wang Hsiang-Ling:


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Cheng Jen-Pei porte une attention particulière aux rapports existant entre les coutumes alimentaires et la mémoire historique. C’est à partir de ses observations sur les us et coutumes de lieux divers et en recourant à des media variés qu’elle crée, sous la forme d’enregistrements et de performances, un espace où le visiteur est amené à réfléchir sur la diversité culturelle. Son travail d’exploration ne se limite pas aux aliments ou à la façon de les cuisiner, mais il comprend aussi l’agriculture des produits concernés, leur transport, les processus de transformation, l’histoire de l’industrie alimentaire, les aliments sous leur aspect politique, les migrations de population et bien d’autres éléments constitutifs d’une culture de l’alimentation.

Sous le titre « Vos plats, Mes recettes », elle a lancé ces dernières années un travail de création centré sur l’identité nationale et la culture alimentaire. Il s’agit d’un projet ouvert au public qui permet à une personne quelconque de déguster gratuitement un repas avec l’artiste. Celle-ci s’entretient préalablement avec les participants à sa performance, puis, au gré de sa seule imagination, prépare un plat de « chez eux ». Tout en mangeant avec eux, elle prend des photos et fait des enregistrements vidéo de tout le déroulement du repas, avec une focalisation particulière sur les aliments et la mémoire. Durant sa résidence en pays étranger, elle poursuit ce travail afin d’enrichir sa documentation par la rencontre de nationalités encore plus diverses.

L’axe principal de son travail en résidence consiste à rechercher des aliments en voie de disparition. Il se peut que ce soit une question de transmission interfamiliale ou bien encore d’uniformisation, ou de mixité croissante, de la culture alimentaire qui conduit à la disparition des modes d’alimentation traditionnels.


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Le jeu de luth pipa de Lien Pei-Ju est profondément marqué par le style shanghaïen de Pudong. L’artiste n’excelle pas seulement à interpréter sur son instrument des morceaux traditionnels, mais elle s’intéresse aussi à d’autres horizons musicaux, classique aussi bien que contemporain, d’interprétation aussi bien que de composition. Elle a déjà eu l’occasion de participer à la création de nombreuses œuvres remarquables dans des domaines variés : musique chinoise traditionnelle, opéra chinois, théâtre, cinéma, musiques du monde et pop.

En sa qualité d’instrumentiste contemporaine, Lien Pei-Ju s’inspire de la technique instrumentale de « l’école » shanghaïenne de Pudong pour composer des morceaux taïwanais contemporains dans lesquels elle adapte technique et timbre de la musique traditionnelle, « lettrée et martiale », pour pipa. Utilisant au mieux les grandes possibilités d’expression dramatique du pipa, elle fait de ses interprétations presque des tableaux visuels. Son séjour en résidence doit lui permettre de collaborer et d’échanger avec des artistes vivant à Paris et également de créer de nouvelles œuvres contemporaines. Si elle cherche à établir des contacts avec le milieu de la musique, elle recherche également des ouvertures transdisciplinaires : avec l’art vidéo, les arts visuels, l’architecture, la danse, la peinture, etc.


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Wang Ying-Chieh s’emploie depuis plusieurs années à ouvrir sur d’autres domaines la composition et l’interprétation d’œuvres pour erhu. Pour ce faire, elle collabore non seulement avec des compositeurs, des orchestres symphoniques, des ensembles de musique de chambre, des instrumentistes électro, d’accordéon, de guitare, de violon, de piano, de flûte coréenne, mais aussi avec d’autres formes d’expression artistique telles que portées par des peintres, des danseurs, des acteurs, des artistes sonores. Elle a pour intention d’ouvrir de nouvelles voies de création en s’aidant de toute la palette des formes propres aux arts de la scène visuels ainsi que d’éléments empruntés à des cultures différentes, et aussi par une nouvelle approche du erhu dans son essence et dans ses origines.

L’art avant-gardiste et la musique contemporaine tels qu’ils s’épanouissent à Paris constituent un puissant attracteur pour Wang Ying-Chieh. En outre, l’intérêt, voire la fascination des Français pour la culture extrême-orientale traditionnelle lui font ressentir plus fortement encore le charme et l’originalité de cet instrument qu’est le erhu. Son langage et son timbre irremplaçables, la grande richesse et diversité de ses formes d’expression, qui lui viennent des différents interprètes et compositeurs qui se sont intéressés à lui, sont au cœur du travail de Wang Ying-Chieh, toujours soucieuse et heureuse de faire partager au plus large public possible le plaisir que lui procure cet instrument. À Paris, par le biais d’improvisations avec d’autres artistes, par celui de coopérations transversales ou encore par des commandes de création, elle souhaite donner à un nombreux public l’occasion d’apprécier la beauté de la musique de erhu.